Comentario: Qué bello es vivir

Ficha técnica:

Título original: It´s a wonderful life
Año: 1946
Duración: 130 min.
País: EEUU
Director: Frank Capra
Guión: Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank Capra
Música: Dimitri Tiomkin
Fotografía: Joseph Walker, Joseph Biroc
Reparto: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Frank Faylen, Ward Bond, Gloria Grahame, H.B. Warner, Frank Albertson, Todd Karns, Samuel S. Hinds, Mary Treen, Virginia Patton, Charles Williams, Argentina Brunetti
Productora: RKO presents a Liberty Films Inc. Production
Género: Drama, fantástico, cine familiar, navideño, comedia dramática.

Clarence Odbody (Henry Travers)

Personajes principales:

George Bailey(James Stewart)

Mr. Potter (Lionel Barrymore)

Mary Hatch (Donna Reed)

 

 

 

  

 

 

 

 

 

Argumento:

La película comienza presentándonos un pequeño George Bailey, que entre muchas buenas acciones, salvó a su hermano de morir en el hielo, perdiendo así uno de sus oídos, o evitó que por accidente el Sr. Gower para el que trabajaba envenenase accidentalmente a un niño.
Ya de mayor, cuando se dispone a ir a la universidad, pronto le avisan de la muerte de su padre, quien dirigía una compañía de préstamos para que gente sin recursos pueda construír sus hogares. George, desde entonces, preside la compañía, por lo que abandona su carrera y paga la de su hermano.
Surgirán más inconvenientes que él solucionará sacrificándose a sí mismo por el bien ajeno, como dar todo el dinero de su luna de miel a gente desesperada por el cierre de su compañía.
Cuando su tío, por haber perdido 8000 dólares, corre el riesgo de ir a la cárcel, decide hacer el último y mayor sacrificio, suicidarse, ya que su póliza de vida era de 15000 dólares.
Justo a tiempo aparece su ángel de la guarda de segunda clase y sin alas, Clarence, quien le muestra como sería el mundo si él no hubiese nacido, ya que George afirmaba que todo sería mejor sin él. Como era de esperar, al no haber realizado tales buenas acciones, el mundo era muy distinto, no había estado allí para salvar a nadie. Desesperado, suplica la vuelta al mundo que conocía, y se encuentra con la grata sorpresa de que todos a los que alguna vez ayudó, estaban allí para ayudarle. Gracias a esto, Clarence consiguió sus alas.

 Comentario:

Que bello es vivir es considerada una de las mejores películas de la historia del cine, o como muchos críticos la califican, una de las más auténticas. Incluso el propio Frank Capra, su director, y el actor protagonista, Jimmy Stewart, afirmaron que era su película favorita.

Es una película que mantiene unas leyes morales de la época, en la que la religión se ve representada en la conversación de Dios con el ángel Clarence en forma de constelaciones, y el propio Clarence una vez en la tierra intentando ayudar a George.
La película cuenta con efectos como el empleo de los flashbacks para explicar sucesos de la vida de George antes de llegar a la cuestión importante que trata la película.
El film también goza con la presencia de actores de primera categoría en su época y que hoy en día son grandes conocidos para los entendidos del cine.

Al ser considerada una película navideña, no se le da el valor que se merece, pero en el fondo, una vez vista, es una película que dista de ser aburrida. Es rápida, refrescante, ocurrente, sincera y divertida. Los personajes no son planos, cada uno tiene sus características propias que dan riqueza al filme.

Cabe destacar que a pesar de contar con cinco nominaciones a los Oscar (Entre ellas mejor película, mejor director y mejor actor...) no llegó a ganar ninguno.
"Qué bello es vivir" quedó en el olvido poco después y no alcanzó el éxito comercial. De hecho, llegó a perder 525.000 dólares el primer año, provocando que el propio Capra hablara de este tema en su autobiografía:
«No la hice para los críticos aburridos ni para los intelectuales pedantes. La hice para la gente sencilla como yo; gente que quizás había perdido a su marido, o a su padre, o a su hijo; gente que estaba a punto de perder la ilusión de soñar, y a la que había que decirle que ningún hombre es un fracasado»
Por suerte, años después volvió a ser emitida en televisión, ganando un  gran grupo popular de espectadores, hasta conseguir seguir siendo emitida hoy en día, ya que es una película que engloba muchas buenas características que hacen desear verla. Ya que es narrada como un cuento de navidad de forma aguda y simpática, apoyada por un sólido y ocurrente guión con un género familiar, cómico, fantástico y dramático.

La música también es destacable, pues acompaña las escenas de mayor tensión o exaltación de forma que la imagen se ve fusionada con el audio. Y las imágenes nocturnas (la mayoría de ellas) tienen un fuerte contraste con la luz, enfocando casi siempre en un primer plano a los actores, dándole fuerza al personaje y formando un halo alrededor de ellos.

En resumidas cuentas, es una gran película, con un guión y una imagen increíble y unos personajes perfectamente caracterizados.

Comentario: Ciudadano Kane

Ficha técnica:

Título original: Citizen Kane

Año: 1941

Duración: 119 min.

País: Estados Unidos

Director: Orson Welles

Guión: Orson Welles & Herman J. Mankiewicz

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: Gregg Toland

Reparto: Orson Welles Joseph Cotten Everett Sloane George Coulouris Dorothy Comingore Ray Collins Agnes Moorehead Paul Stewart Ruth Warrick Erskine Sanford William Alland Alan Ladd

Productora: RKO/ Mercury Theatre Productions

Género: Drama, Periodismo, Película de culto

Personajes principales:

Mr. Bernstein (Everett Sloane)

Charles Foster Kane (Orson Welles)

Susan Alexander (Dorothy Comingore)

Walter Parks Thatcher ( George Coulouris)

Jebediah Leland (Joseph Cotten)

Resumen:

Un grupo de periodistas observan un pequeño documental que han realizado sobre la vida de Charles Foster Kane,un famoso periodista que fue candidato a gobernador, donde se resaltan los puntos más destacables de su vida.

Al terminar el documental, el director, que no queda muy contento con el resultado, decide enviar a uno de los colaboradores, Thompson a varios lugares, para conocer más sobre la vida de Kane y averiguar que significaba la última palabra que pronunció el  periodista antes de morir, Rosebud.

En su investigación va visitando a personas importantes de la vida de Kane, como su segunda mujer Susan, su mejor amigo Leland o su primera mujer Emily. Va averiguando cosas, como que cuando cumplió 25 años prefirió dirigir un periódico en quiebra, el Inquirer, a heredar numerosos bienes, o que se separó de su primera mujer por un chantaje que le hizo su rival en las elecciones a gobernador, ya que este publicó que Kane le había sido infiel.

Finalmente decide visitar a su antiguo mayordomo en un último intento de clarificar que significaba Rosebud. Para el, esta palabra no tenía ningún significado ya que Kane solía decir palabras que no significaban nada cuando se enfadaba. Al final, el periodista comenta a sus compañeros que la vida de Kane es un rompecabezas y que Rosebud es una pieza más del mismo. En realidad, Rosebud es una palabra que habia escrita en el trineo de cuando era pequeño.

 Comentario:

Esta película, calificada como la mejor película de la historia del cine (aunque muchos se niegan a escoger, porque si declaran ésta como la mejor, estarían descartando todas las demás), tiene una trama compleja y lenta, pero demuestra el gran talento de Welles. 

A lo largo de todo el filme se pueden apreciar los numerosos flash-backs gracias a los cuales conocemos la vida casi al completo de Charles Foster Kane, desde su niñez a su muerte. Dicho elemento cinematográfico era una aportación totalmente nueva en el cine, pero no la única de esta película. También, como elemento innovador para la época cabe destacar la profundidad, por ejemplo después de conseguir que la plantilla del Chronicle trabaje para ellos, Leland y Bernstein hablan sobre ello, y al fondo se ve a Kane con las bailarinas. Luego, en los desayunos con su primera mujer, gracias a los cuales, en pocas escenas podemos ver como su relación empeora con el paso de los años. 

Respecto al protagonista, la película nos muestra una infancia dura, en la que se sobreentiende que su padre lo maltrataba, una juventud en la que era soñador y se esforzaba para conseguir lo que quería, y  progresivamente  fue cambiando a peor, a tener una actitud egocéntrica (que se puede ver cuando decide anteponer su vida política a su familia, o cuando obliga a su segunda mujer a seguir con la ópera aunque ella no quiera) Físicamente también se puede apreciar el cambio, puesto que, por ejemplo, cuando estaba casado con su segunda mujer, a ella se le ve joven, con apenas ligeros cambios físicos, y él estaba mucho más viejo, canoso y empeorado.

Es cierto que es innovadora para la época y una obra maestra, pero sin duda esto solo lo aprecian las personas con conocimientos ligeramente avanzados sobre cine, puesto que para personas acostumbradas a la velocidad y ritmo del cine actual, el primer adjetivo que viene a la mente después de verla, es aburrida. 

Por lo tanto, es recomendable para gente que conozca la situación de la época, en la que una película de este calibre era tan innovadora que era incluso arriesgada, pero para los que no supiesen apreciar tal calidad, es mejor que elija otra cosa.

Comentario: La fiera de mi niña

Ficha técnica:

Título original: Bringing Up Baby (La fiera de mi niña)

Año: 1938

Duración: 102 min.

País: Estados Unidos

Director: Howard Hawks

Guión: Dudley Nichols, Hagar Wilde

Música: Roy Webb

Fotografía: Russell Metty

Reparto: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, May Robson, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving

Productora: RKO Radio Pictures

Género: Comedia romántica

 

 

 Personajes principales:

David Huxley/ Señor Hueso (Cary Grant)

May Robson (tía de Susan)

Susan Vance (Katharine Hepburn)

 

 

 

 

 

 

 

Sinopsis:

    El paleontólogo David Huxley está a punto de llevar a cabo dos proyectos muy importantes en su vida, conseguir la clavícula intercostal de un brontosaurio, siendo ésta la última pieza del fósil, y casarse con su seria secretaria. También intenta conseguir que una vieja millonaria done un millón de dólares a su museo, así que va a jugar un partido de golf con el abogado de la señora, y, a mitad del partido, conoce a la sobrina de la millonaria, Susan Vance, una joven, bella, caprichosa y algo chiflada mujer que se enamora de él, y pretende de todas las formas posibles que David no se case. 

    A lo largo de la película en numerosas ocasiones ella descoloca la ordenada vida de David, donde se verán involucrados dos leopardos, un perro, el tan deseado hueso del brontosaurio, la cárcel y una bata de satén.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Comentario:

    Esta comedia romántica de los años 30 del siglo XX pertenece al género de Screwball americano, caracterizado frecuentemente por protagonistas excéntricos, numerosas equivocaciones y situaciones complicadas que les impiden las relaciones entre ellos. 
      Esta película en concreto destaca por su ritmo rápido, ya que suceden numerosos acontecimientos en un breve periodo de tiempo, la mujer adquiere el nuevo rol de dominante, ya que anteriormente los hombres tenían siempre ese papel, y, por supuesto, la química genial entre los protagonistas, gracias a la cual, el papel de Katharine no es cargante y odioso, que de otra forma si sería debido a su personalidad tan cambiante.
      Otra característica genial de esta película es que tiene numerosos elementos inverosímiles en la vida real, pero que al comenzar a verla se aceptan como si fuesen ciertos. Entre ellos destacan los leopardos, la ineptitud de los guardias en la prisión, la sucesión de desdichas ocurridas a David, etc.
     El vestuario de los protagonistas también es decisivo a lo largo de la historia, se puede ver la ropa sobria y oscura de la prometida de David al comienzo del filme, contrapuesta a la ropa alegre y alocada de Susan. También muestra el cambio de David, que comienza muy elegante y refinado y una vez se le rompe el esmoquin, se pone la bata vaporosa, pierde las gafas y empieza a vestir de una manera más despreocupada, su personalidad cambia de la misma manera.
     Cuando Susan se da cuenta de su amor hacia David, hace todo lo posible e imposible para que no se vaya, con sus consecuentes problemas, entre ellos, acabar en prisión y amenazados ante el peligro de un leopardo salvaje suelto. Cuando todo se soluciona, ni siquiera entonces acaban los problemas para el pobre de David, ya que ella se le declara en una escalera apoyada en el brontosaurio, haciendo que éste de derrumbe, y terminando así con uno de los proyectos más preciados del doctor. Realmente, una escena perfecta para acabar una película de ese nivel.
     Al argumento de la película no se le puede sacar una gran enseñanza, porque no tiene intención didáctica de ningún tipo, simplemente está hecha para pasar un rato realmente divertido, en el que es difícil parar de reír. Y, a pesar de que cuando se estrenó no tuvo una gran recepción, a lo largo de los años siguientes se fue reproduciendo de nuevo consiguiendo el triunfo que merece.
 
     

 

Comentario: Nosferatu

Ficha técnica:

 

Título original: Nosferatu eine Symphonie des Grauens

Año: 1922

Duración: 91 min.

País: Alemania 

Director: Friedrich Wilhelm Murnau

Guión: Henrik Galeen (Basado en el libro de Bram Stoker: Drácula)

Música: James Bernard, Hans Erdmann, Carlos U. Garza, Timothy Howard, Richard Marriott, Richard O'Meara, Hans Posegga, Peter Schirmann, Bernardo Uzeda, Bernd Wilden

Fotografía: Fritz Arno Wagner 

Reparto: Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz

Productora: Prana-Film GmbH

Género: Terror

Personajes principales:

Nosferatu: Max Schreck

Thomas Hutter: Gustav von Wangenheim 

Ellen Hutter: Greta Schroeder

Knock:  Alexander Granach

  

Argumento:

    Thomas Hutter vive con su mujer Ellen en Wismar, Alemania.

    Un día, recibe la noticia de que debe ir a los Cárpatos para venderle una mansión al Conde Orlock (Nosferatu). Se pone en camino, pero poco antes de llegar, para en una posada y cuando allí comenta a donde se dirige, todos intentan detenerlo. En la habitación donde va a pasar la noche encuentra un libro sobre vampiros, pero no le da la menor importancia, y se lo guarda. 

    Al día siguiente, el carruaje que lo iba a acompañar el resto del camino, para antes de tiempo y se niega a llevarlo a su destino, aunque poco tiene que esperar hasta que de repente aparece otro carro que lo lleva rápidamente. 

    Cuando llega, el conde lo obsequia con una cena durante la cual se hace un corte en el dedo. Nosferatu intenta chuparle el dedo, pero pronto tiene que retroceder por el crucifijo que Hutter tiene. 

    Por la mañana, decide escribirle una carta a Ellen, en la cual le dice sin mayor preocupación, que le picaron unos mosquitos en el cuello. 

    Por la noche, después de estar todo el día sin aparecer, Nosferatu firma el contrato y Hutter, ya en su habitación, comienza a plantearse si lo que dice su pequeño libro sobre vampiros es cierto o no. Intenta esconderse, pero el vampiro aparece con la intención de matarlo. Al mismo tiempo, Ellen, grita el nombre de Hutter en sueños y se desmaya. Nosferatu parece oírla, y eso hace que se detenga de su actual cometido, matar a Hutter.

     Hutter descubre lo que es al encontrarlo durmiendo en su ataúd, y huye, descubriendo que están trasladando los ataúdes que se había encontrado. Salta por la ventana, y resulta herido.

     El barco en el que van los ataúdes está infestado de ratas, y la gente que allí viaja muere misteriosamente hasta que no queda nadie vivo.

     Hutter, ya en el hospital, intenta escapar para llegar a su ciudad y avisar de lo que está ocurriendo, pero el vampiro llega antes, matando a los residentes.

     Al final consigue llegar y ver a su amada, a quien le dice que no lea su libro, pero ella, con una curiosidad imperiosa que la invadía, lo hace, y descubre que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse a Nosferatu antes de que cante el gallo.

     El vampiro la busca, y cuando comienza a cantar el gallo, ella se entrega. Empieza a entrar la luz del sol por la ventana, y este muere desintegrándose.

Cine expresionista alemán:

    El expresionismo es una corriente artística que tiene como fin buscar la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Es decir, el arte expresionista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa.

      Aparece en la pintura, en la literatura, etc. Pero, en cuanto al cine, sus características generales son:   

•       Surge como reflejo de la derrota alemana tras la Gran Guerra Mundial.
•       Temática muy diferente y variada, que va desde lo pasado medieval a lo más futuro.
•       Técnica caracterizada por empleo de ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a las pesadillas.
•       Su fin es que el espectador tenga la sensación de estar en ambientes grotescos, distorsionándolos con elementos claroscuros y violentos.
•       Sus figuras más destacadas son: Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, F.W. Murnau y Paul Wegener.          

     Además, en cuanto a características técnicas de las películas expresionistas, destacan:

1. Escenografía: Sobre todo destaca la utilización de decorados pintados, que suelen producir diferentes efectos en el espectador, entre ellos, profundidad o movimiento.
2. Iluminación: Daban un toque muy particular a la elaboración del claroscuro acentuando el contraste entre luces y sombras y destacando el exceso de relieve deformado y el contorno de un objeto.
3. Paisaje natural y estudio: Proporcionaba un factor dramático.
4. Personajes: Se caracterizan por aparentar ser misteriosos o siniestros. Pueden tener también un desdoblamiento de la personalidad.
5. Vestuario: Sus personajes se caracterizan por vestir capas y sombreros de copas. Además, sus manos son extremadamente salientes o crispadas. En Nosferatu se puede ver la mano en forma de garra en la escena de la imagen.
6. Interpretación: Movimientos abruptos y duros. Además, se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad. 
7. Sombras: Su utilización connota un presagio o un destino amenazante.
   

Entre las películas expresionistas alemanas destacan:

• El estudiante de Praga (1913), de Stellan Ryer y Paul Wegener
• El gabinete del doctor Caligari (1920), de Robert Wiene
• El Golem (1920), de Paul Wegener
• Nosferatu (1922), de F.W.Murnau  
• Metropolis (1927), de Fritz Lang

Comentario:

    Nosferatu es una película de cine mudo del año 1922, figura clave del expresionismo alemán y está inspirada en el libro Drácula de Bram Stoker. 

   La viuda de Bram Stocker se negó a ceder los derechos del libro, motivo por el cual no pudieron llamarla directamente Drácula y copiarla al pie de la letra. En realidad, cambiaron el nombre del vampiro e hicieron leves variaciones de la historia original, aunque todo el que conozca el libro, la reconocerá perfectamente. De todas formas, la mujer puso una demanda y tuvieron que eliminar la película, pero se conservaron algunas copias, ya que ya se había estrenado en otros lugares, y a esas alturas, era imposible deshacerse de todas y cada una de ellas. Ese también es el motivo por el que no tiene toda la calidad visual esperable, ya que se hicieron copias de las copias y fue perdiendo detalle.

     La actuación de Max Schreck, quien hace de Nosferatu, se hizo muy famosa, y corrieron muchos rumores alrededor de este actor, ya que su apellido en alemán significa “terror” y se decía que podía estar relacionado en la vida real con el vampirismo o rituales satánicos, además de que se comentó que apenas hubo que maquillarlo, ya que su aspecto físico ya de por sí era muy semejante al del vampiro.

     En esta película aparece uno de los primeros vampiros del cine, y tiene muchas características del vampiro del libro original, aunque, para poder desvincular la muerte del vampiro con una estaca de madera y así evitar acusaciones de plagio, tuvo que hacer que el vampiro de la película no pudiese salir a la luz del sol (cuando el del libro si podía). También aparecen más elementos comunes al libro y a posteriores vampiros de la pequeña y gran pantalla, tales como: que el hogar del vampiro sea un castillo lejano, las incisiones en el cuello, que duerma en un ataúd, su presencia escalofriante, el leitmotiv “la sangre es vida”… Y, en cambio, un punto diferente de este vampiro, es su asociación con las plagas, en la película bien se pudo ver que mientras el vampiro estuviese por allí, las ratas se propagaban como la peste, y cuando él murió, se acabó la plaga.

      En cuanto a efectos visuales y sonoros de esta película, hay varios destacables. La música siempre se adecúa al momento, se puede sentir tensa y misteriosa en los momentos en los que aparece Nosferatu, o más suave y agradable cuando está Ellen. En uno de los últimos momentos, cuando Ellen se entrega a Nosferatu, justo cuando canta el gallo, se puede apreciar que no se oye al animar cantar de verdad, sino que ponen efectos musicales muy estridentes y así, semejantes a lo que el ave haría. La música, indudablemente, se puede decir que es clave en el desarrollo de la película, porque te hace sentir acorde a lo que estás viendo.

       Luego, entre los numerosos efectos especiales (que para la época son innovadores y asombrosos) cabe destacar el cambio de color en algunas escenas según lo que sucedía, los efectos de velocidad del carro que llevó a Hutter hasta el castillo, el efecto de que las puertas se abren o cierran solas… Dos muy destacables fueron: en el cual aparece la sombra de la mano de Nosferatu agarrando el corazón de Ellen, y el momento en el que el vampiro muere con la luz del sol desvaneciéndose.

       Actualmente estamos muy acostumbrados a otro tipo de terror, más sangriento, más espontáneo, con más efectos especiales… Pero claro, fue hace casi 100 años, y no contaban con la infinidad de efectos visuales y sonoros con los que se cuentan hoy en día. De todas formas, es imposible no sentir escalofríos al ver a semejante monstruo, a pesar de que a lo largo de toda la película no salga más de 12 minutos, aunque siempre se le siente presente. Además, cuando se estrenó, la gente de la época no estaba acostumbrada al terror en tal medida, por lo que en su momento tuvo que producir verdadero pánico.

     Esta película tiene un aire inquietante de principio a fin muy propio del expresionismo alemán, y, puesto que la intención del director es producir terror e inquietud, sin duda alguna lo consiguió, ya sea en mayor o menor medida, todo depende de la facilidad o dificultad con la que se asuste el espectador.

    

     

    

     

    

Comentario: La quimera del oro

 

Ficha técnica:

        Título: La quimera del oro (The gold Rush)
        País: Estados Unidos
        Año: 1925
        Fecha de estreno: 26/06/1925
        Duración: 96 min.
        Dirección:  Charles Chaplin
        Guión: Charles Chaplin
        Fotografía:  Rollie Totheroh, Jack Wilson
        Música: Charles Chaplin, Carli Elinor, Max Terr
        Cámara: Jack Wilson
        Decorados: Charles D.Hall

        Dirección artística: Charles D. Hall
        Género: Romance, Comedia, Familiar, Aventuras, Western
        Reparto: Charles Chaplin, Mack Swain, Tom Murray, Henry Bergman, Malcolm Waite, Georgia  Hale
        Productora: Charles Chaplin Productions
        Presupuesto: 923.000,00$
   

Personajes: 

Charlot (Charles Chaplin)

Big Jim (Mack Swain)

 

Black Larsen (Tom Murray)

Georgia (Georgia Hale)

Hank Curtis (Henry Bergman)

 Jack Cameron (Malcolm Waite)

 

 

 Argumento:

       

       En esta película, Charles Chaplin interpreta a un vagabundo llamado Charlot que, buscando oro, acaba llegando a Alaska. De repente, una fuerte tormenta lo obliga a buscar refugio, y lo único que encuentra es la cabaña de un bandido, Black Larsen. Por si fuera poco para el bandido ese huésped poco deseado, la tormenta les trae un tercer acompañante, el gigante Big Jim.
       Al pasar los días, el hambre comienza a afectarles y deciden echarse a suertes quién saldrá en busca de sustento, tarea que le acaba tocando a Black Larsen, quien encuentra un trineo y los deja tirados. A los dos huéspedes el hambre les afecta cada vez más, hasta tal punto que el vagabundo cocina su bota y la comen juntos sin queja alguna.
      Cuando amaina la tormenta cada uno decide seguir su camino, Big Jim se va en busca de oro a una mina y Charlot se va al pueblo cercano. El gigante tiene tan mala suerte que cuando encuentra la mina en ella también está Larsen, que lo golpea en la cabeza haciendo que pierda la memoria, pero, cuando el bandido pretendía salir de allí, muere en un accidente con el hielo. El vagabundo, en cambio, llega a un cabaret donde conoce a una bella dama, Georgia, de la cual se enamora profundamente, y ella le promete cenar con él en Nochevieja. Al hombrecillo la suerte también le sonríe cuando, haciéndose el muerto, consigue la caridad de un ingeniero, Hank, y le permite quedarse en su cabaña siempre y cuando se la cuide.
      Llega la esperada noche y el hombrecillo ya lo tiene todo preparado, pero Georgia, celebrando eufóricamente el año nuevo en el cabaret se olvida por completo de su cita. Al cabo de unas horas se acuerda y decide ir a verlo junto con sus amigas y su novio, Jack, quien discute con ella numerosas veces, pero él ya no está.
      El vagabundo vuelve al bar y, cuando encuentra a Georgia y se decide a hablar con ella, aparece Big Jim diciéndole que lo lleve hasta la cabaña para encontrar el oro y le promete darle la mitad. Ya allí, el viento los arrastra y los deja al borde de un barranco. Después de estar a punto de caer varias veces, consiguen salir y encuentran el oro, haciéndose ricos.
     Siendo ya millonarios, se suben a un barco en primera clase y, en una sesión fotográfica, Charlot se cae por las escaleras y encuentra a Georgia, quien pensando que él era un polizón que llevaban buscando un rato por el barco lo esconde y decide pagar su billete. Al final todo se aclara y ambos se dan cuenta de que están enamorados.

Biografía de Charles Chaplin:

  
      Esta película fue dirigida por Charles Chaplin, y además, era su protagonista y guionista.
      Charles Spencer Chaplin  (Londres, Inglaterra, Reino Unido, 16 de abril de 1889- Suiza, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, humorista, compositor, productor, guionista, director y escritor británico. Se hizo famoso gracias a su conocido personaje Charlot, en muchas películas de cine mudo. Hacia el final de la Primera Guerra mundial era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial.
      Tuvo una infancia dura en la que conoció el hambre, la miseria y la extrema pobreza. Pasó largos periodos en horfanatos antes de iniciarse en el mundo del espectáculo, siendo un niño, en musicales y pantomimas. Su padre murió a los 38 años de edad, de cirrosis del hígado.
      A los catorce años, interpretó el papel de botones Billy en una producción itinerante de Sherlock Holmes. Participó en la gira con varias producciones de la obra siendo reconocido su trabajo, tanto, que cuando se necesitó un Billy para una producción londinense, Chaplin con dieciséis años, fue llamado.
      En 1907 ingresó en la compañía de "sketch" de comedias de Fred Krano, y en menos de un año se convirtió en la estrella de la compañía realizando una gira por Estados Unidos, país a donde dos años después se trasladaría.
      En 1913 debutó en el cine, en las películas de la Keystone, de Mack Sennett.
      En Carreras Sofocantes, 1914 actuó por primera vez con el personaje del vagabundo Charlot, con unos anchísimos pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, papel que interpretaría luego en más de 60 películas, incluida Charlot vagabundo, en 1915.
       Perfeccionó un estilo personal de interpretación, derivado del payaso de circo y del mimo, combinando la elegancia acrobática, la expresividad del gesto y la elocuencia facial, con un sentido del ritmo impecable. En los años 20 llegó el cine sonoro, pero eso no hizo que la efectividad de su pantomima fuera perjudicada. Al mismo tiempo, comenzó a manifestar su preocupación por los problemas sociales de su época. Algún tiempo después dejó el papel del vagabundo para comenzar a interpretar personajes específicos, en una transición que marca El gran dictador, donde ya utiliza plenamente los recursos sonoros. El enfoque chapliniano combina la sátira y el patetismo melodramático, bajo los que late el amor a la humanidad y a la libertad individual.
       Sus películas más destacadas son: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), todas ellas récords sucesivos de taquilla. A éstas siguieron El gran dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), donde aparece por última vez su personaje de Charlot, Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957). Aparte dirigió, sin protagonizarlas, Una mujer de París (1923) y La condesa de Hong Kong (1966), donde hace un pequeño papel. También compuso la música de la mayoría de sus películas.
        En 1972 fue a Estados Unidos a recoger el Oscar que le había concedido la Academia de Hollywood por el conjunto de su obra. A lo largo de una trayectoria de 79 películas, combinó de manera prodigiosa lo humorístico, lo dramático y lo satírico. La genial creación del personaje de Charlot, cómico y patético al mismo tiempo, se ha convertido en un mito del siglo XX.

Comentario:

      La quimera del oro (The Gold Rush) es una película estadounidense de cine mudo escrita, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin. Fue estrenada el 26 de junio de 1925. En 1942 fue reestrenada en versión sonora, con un nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin, y recibió dos nominaciones a los Premios Óscar: mejor sonido y mejor banda sonora.
      La película es una tragedia humorística, en la que se tratan temas como la importancia del dinero, que puede cambiar la forma de ver a las personas, ya que Charlot comieza siendo un vagabundo que tiene que buscarse la vida sin ayuda y gracias al oro que encontró con Big Jim empieza a ganar fama y ser apreciado por los demás. También trata otros temas como pueden ser: el amor, de Charlot hacia Georgia por el cual él estaba dispuesto a luchar y a perder la dignidad, la esperanza del vagabundo de encontrar oro en Alaska, la soledad muy bien retratada a lo largo de toda la película, o la inocencia en la pelea contra Jack, ya que éste perdió por casualidad y no por méritos suyos.
     Nos muestra a través de Charlot la dura y solitaria vida por la que tuvo que pasar de pequeño pero de una forma un poco superficial y mezclada con el humor, de forma que a pesar de estar viendo un drama real y presente en aquellos tiempos, puedas reirte y pasar un buen rato.
     Charlot representa la humildad, la inocencia, la educación y la compostura como un caballero a pesar de no ser más que un vagabundo. Georgia representa la belleza, el anhelo, la contradicción, pero también, en un principio, simboliza la maldad con la que algunas personas hacen daño a otras solo por divertirse, aunque ese aspecto luego cambia cuando se da cuenta de que Charlot la quería.
     Escenas como: el momento en el que Big Jim y Charlot tienen tanta hambre que se comen su bota, el baile de los panes del sueño de Nochevieja del vagabundo, los delirios de Big Jim viendo a Charlot como una gallina a consecuencia del hambre o el momento en el que la cabaña está a punto de caerse y solo está sujetada por una cuerda, muestran el gran talento e imaginación de Chaplin, que podía mostrarte sucesos dramáticos y/o reales de forma cómica y humorística.
      En mi opinión, esta es una obra maestra de la historia del cine, que se puede ver a cualquier edad y no se queda atrás en ningún momento, y que, aunque el hecho de que esté en blanco y negro pueda echar a algunas personas para atrás calificándola como "antigua" o "de mala calidad" esto no es más que un tópico del que habría que sacarla, porque es muy entretenida y sería muy triste perdérsela por falsas ideas.