Comentario: La naranja mecánica

Ficha técnica:

Título original A Clockwork Orange

Año 1971

Duración 137 min.

País Reino Unido

Director Stanley Kubrick

Guión Stanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)

Música Wendy Carlos

Fotografía John Alcott

Reparto Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corri, Warren Clarke,John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover,Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone, David Prowse

Productora Warner Bros Pictures / Stanley Kubrick Production

Género Drama | Crimen. Distopía. Thriller futurista. Thriller psicológico. Película de culto

Sinopsis:

La película tiene como protagonista a Álex, un joven excéntrico y amante de la música clásica, en concreto la de Beethoven, y de la violencia extrema. Él es el líder de una macabra banda juvenil: Los drugos. Sus seguidores son Pete, Georgie y Dim y junto al protagonista  llevan a cabo situaciones extremadamente violentas, siempre caracterizados con disfraces extravagantes. Su única diversión consiste en: pegar palizas, robar y violar sin ningún motivo.

A lo largo de la película se nos cuenta la drástica evolución del joven, desde sus comienzos en los que su vida se centraba en la violencia y la tragedia de los demás, hasta convertirse en un ciudadano civilizado sin ansias de fornicar, sometiéndose al innovador tratamiento Ludovico, un duro método psicológico con efectos secundarios que tratará de eliminar definitivamente su inadecuada conducta. Parece dar resultado, pero al final se demuestra que el chico vuelve a ser el de antes, demostrando que el experimento no dio ningún resultado.

Comentario:

“La naranja mecánica” es una de las mejores películas del cine y sin duda una de las más icónicas. Dirigida por el gran director Stanley Kubrick, considerado uno de los cineastas más influyentes del siglo XX y basada en la novela con el mismo nombre del famoso escritor y compositor británico, Anthony Burgess.

Este filme tuvo y tiene tanta relevancia hoy en día por su cargado contenido de simbolismos que pueden adaptarse perfectamente a los tiempos que corren, como son: la violencia, la alienación social, la carga sexual, el individualismo, la discriminación, etc.

Es fundamental hablar de la precisión técnica de Kubrick y su estilización. Cada plano, cada enfoque, perfectamente cuadrados para transmitir siempre lo que el director deseaba, sin olvidar que cada escena tiene un fuerte significado.

La ambientación es tremendamente realista y detallista, con muchos elementos sexualizados, como la escultura de los genitales masculinos, las paredes pintadas de la misma manera, las continuas escenas de sexo y la cosificación de la mujer. Es un filme de alto contenido sexual que pretende llegar a dar entender mucho más que algo burdo o vulgar.

La violencia también es fundamental, ya que es la que marca la historia desde un principio y la cual guía al protagonista, Alex, por aquel mundo alienado y brutal en la que él vive.  Es destacable la violencia psicológica, el juego con la mente, con los sentimientos y las sensaciones, mostrando lo más rudo de la sociedad de una forma muy contundente.

Los personajes son fundamentales en esta película, en la que todo recae en el gran protagonista, Alex, interpretada por Malcolm McDowell, que se marca un papel propio de un Oscar, desarrollando aquel aspecto de psicópata, perturbado y depravado de forma brillante, y acompañado siempre de actuaciones de los personajes secundarios, que aunque pueden parecer exageradas son muy acertadas, mostrando el aspecto más decadente y burdo de la sociedad.

La evolución de Alex a lo largo de toda la película viene unido a una fuerte crítica a la sociedad y sobretodo, una crítica al estado, el mejor ejemplo es el propio Alex, que se convierte en un juguete de experimento para intentar mejorar su conducta haciéndole sentir asqueado de sí mismo y juzgado por la sociedad, para luego ser alabado, todo con un motivo propagandístico del que o no es consciente o finge no serlo.

Hay que destacar, que aparte del tratamiento psicológico y  las perfectas escenas, la película consta de una banda sonora que lleva al clímax las escenas violentas, sexuales o de mayor tensión, siendo estridente y exagerada.

Otro punto a tratar es el vocabulario poco habitual que emplean los personajes, sobretodo Alex, como es videar en vez de ver o quijotera en vez de cabeza, dandole un toque cómico a la historia.

Para terminar, es inevitable no hablar  del resultado que tuvo la película, la cual fue censurada e incluso prohibida en algunos países durante años, y criticada por su “apología” a la violencia. Fue nominada a cuatro Oscars, en la que destaca a mejor película, que finalmente no ganó y se encuentra en el top 10 de las mejores películas de ciencia ficción.

                                                                                  Patricia Andión Marchena
                                                                                  Mª Camila Beltrán Guzmán
                                                                                          1ºBAC-B

Comentario: El tercer hombre

Ficha técnica:

Título original: The Third Man (The 3rd Man)

Año: 1949

Duración: 104 min.

País: Reino Unido

Director: Carol Reed

Guión: Graham Greene (Novela: Graham Greene)

Música: Anton Karas

Fotografía: Robert Krasker (B&W)

Reparto: Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard, Orson Welles, Bernard Lee, Paul Hörbiger, Ernst Deutsch, Siegfried Breuer, Erich Ponto, Wilfrid Hyde-White, Hedwig Bleibtreu

Productora: London Films. Productores: Alexander Korda & David O. Selznick

Género: Cine negro. Intriga. Drama | Amistad

Grupos: Adaptaciones de Graham Greene 

Resumen: 

Holly Martins es un escritor de novelas policíacas que llega a Viena en 1947 para reunirse con su amigo de la infancia, Harry Lime, quien le ha ofrecido un trabajo. Cuando llega a la casa de su amigo, le dan la triste noticia de que su amigo ha muerto atropellado y el entierro está a punto de celebrarse. Entonces comienza a informarse a partir de los testimonios de varios testigos, pero las versiones se contradicen porque en una se dice que dos hombres rescataron el cuerpo de Harry de la carretera, pero en otra fueron tres los hombres que lo trasladaron, y a ese tercer hombre nadie lo dio identificado. A partir de ese momento, Holly decide empezar a investigar porque sospecha de lo contradictorio de la situación. Entonces el mayor Calloway convence al protagonista de que Harry es un delincuente, lo que los lleva a desenterrar el cuerpo y descubrir que aquél a quien enterraron y lloraron fue un traficante de penicilina. Entonces decide colaborar con la policía para arrestarlo, y consiguen atraparlo en las alcantarillas de la ciudad, donde muere desangrado por un disparo. La amante del delincuente, que siempre estuvo de parte de Harry a pesar de los delitos cometidos y de la que Holly se enamora, acaba despreciándolo por haberlo atrapado.

Comentario:

Ésta es una película basada en la novela homónima de Graham Greene. Podría decirse que es una película de cine negro con temática policíaca, pero con trazos muy reconocibles del expresionismo alemán, tales como las inclinaciones de la cámara en numerosas escenas, como el momento en que vemos los sucesos desde el punto de vista de un niño pequeño, o los juegos de luces y sombras tan característicos de este movimiento, que dan más sensación de suspense. También cabe destacar la crítica social presente en todo momento, puesto que retrata de una forma muy realista la Viena de después de la Segunda Guerra Mundial, y el tráfico de drogas, problema siempre presente en la sociedad de entonces y en la de ahora.

En cuanto a los personajes, Holly, el protagonista, es un escritor que busca a su amigo en una ciudad nueva y llena de contradicciones y misterios, que lo único que pretende es averiguar la verdad, aunque su amigo y delincuente se vea perjudicado con ello, y Harry, que a pesar de no aparecer en mitad de la película por estar considerado muerto, se convierte en el auténtico protagonista desde el momento en que aparece, cuando, escondido entre las sombras, una luz ilumina momentáneamente su cara y queda descubierto todo el misterio que Holly estaba investigando. El camino que decidió tomar para vivir no es el correcto, y está cargado de una frialdad que se puede percibir en escenas como la de la noria, en la que habla a Holly de las personas como pequeñas hormigas a las que vendería por una buena cantidad de dinero y sin remordimientos.

Y, la banda sonora, que acompaña a la película de una manera genial, también es destacable. Sin duda, expresaba perfectamente los sentimientos de cada momento, ya fuese tensión, suspense, etc. No es de extrañar que se le homenajease posteriormente, como en los dibujos animados de "Bob Esponja", cuya banda sonora está inspirada en la de esta película.

Si hay que destacar alguna escena, sería la de la persecución y posterior muerte de Harry, ya que te hace sentir la tensión y angustia de que vayan a capturar al antagonista que, aunque era malo, tenía algo con lo que se ganó el aprecio del público, por lo menos el mío si. 

Bienvenido Mr. Marshall

Bienvenido Mr. Marshall

Ficha técnica:

Dirección: Luis García Berlanga

Producción: Vicente Sempere

Guión: Luis García Berlanga, Miguel Mihura y Juan Antonio Bardem

Música: Jesús García Leoz, Juan Solano Pedrero, Xandro Valerio y José Antonio Ochaíta

Fotografía: Manuel Berenguer

Montaje: Pepita Orduña

Vestuario: Eduardo de la Torre

Protagonistas: José Isbert, Manolo Morán, Lolita Romea, Elvira Quintillá, Luis Pérez de León, Félix Fernández, Fernando Aguirre, Joaquín Roa, Nicolás de Perchicot, José Franco y Rafael Alonso

País: España

Año: 1953

Género: Comedia

Duración: 78 minutos

Productora: UNINCI

Resumen:

En la década de los 50, en un pueblecito llamado Villar del Río, reciben una noticia que alterará su tranquila vida en la que nunca pasa nada. El delegado del Gobierno avisa al alcalde, Don Pablo, de que una comitiva del Plan Marshall se dirige al pueblo, y deben darle el mejor recibimiento. Don Pablo y el representante Manolo se lo cuentan al pueblo para que organicen una fiesta y decoren las calles. Todos, muy emocionados, empiezan los preparativos (con decorados de cartón-piedra incluídos) y preparan incluso una canción para recibirlos. Pero, como no todo va a ser dar sin recibir nada a cambio, crean una lista en la que cada habitante tiene derecho a solicitar una única cosa.

Toda esa alegría y expectación se deshace lentamente cuando la comitiva llega, pero pasa de largo sin prestarles ninguna atención. La normalidad vuelve al pueblo, aunque la decepción les acompañará durante un tiempo.

Comentario:

Bienvenido Mr. Marshall es una película de género cómico, rodada en Madrid (España) y dirigida por el gran Luis Berlanga, director y guionista español, que dirigió a lo largo de su carrera películas como “Esa pareja feliz”, “Plácido” o “El Verdugo”. Sus obras están generalmente caracterizadas por estar narradas en planos secuencia con rasgos de sátira, farsa, humor negro y una visión crítica y esperpéntica de la realidad sociocultural y política española.

La película fue un éxito, teniendo una gran acogida en el Festival de Cannes de 1953, recibiendo el premio del Sindicato Nacional del Espectáculo, el premio a la Mejor Película de Humor y una mención especial por parte de la Federación Internacional de Críticos Cinematográficos.

Fueron muchos quienes elogiaron a Luis García Berlanga y dijeron que era el “primer film español con categoría internacional”. Aún así fue una película cargada de polémica, sobretodo en su estreno, ya que la delegación americana protestó contra unos billetes de dólar falsos en las que aparecían las caras de los protagonistas para promocionar la película y causó que Berlanga fuera llamado a declarar en la Préfecture. Además, el estreno de la película coincidió con la llegada a Madrid del embajador estadounidense, quien creyó que los carteles que anunciaban la película hacían alusión a él que se llamaba Marshall.

En un principio la película tenía intención de lanzar la carrera artística de Lolita Romea, pero terminó convirtiéndose en una sátira social contra los Estados Unidos por no mostrar su ayuda económica a España con su conocido Plan Marshall, que sí fue dada a los demás países europeos después de la II Guerra Mundial. Berlanga también critica el cine español de la época, estereotipado y afín a la ideología implantada por el régimen franquista.  

Los efectos especiales aparecen desde el comienzo de la película con una presentación de la plaza del pueblo de Villar del Campo y poco a poco también de su gente, haciéndola aparecer y desaparecer en segundos, todo esto acompañado de la presentación de los personajes más destacados por una voz en off que continuará a lo largo del filme.

Destaca el empleo de espacios abiertos y naturales, con personajes de orígenes humildes y sencillos, constando con características muy propias del neorrealismo italiano, retratando la sociedad española del momento. Es importante mostrar que los personajes no evolucionan, mantienen sus características intactas a lo largo de toda la película, pero todos mantienen un papel importante en el filme, aún siendo personajes secundarios.

La línea temporal es breve, y la historia que se desarrolla ocurre en muy pocos días, sin bruscos saltos en el tiempo, ni giros inesperados de los acontecimientos.

En pocas palabras, Bienvenido Mr. Marshall es una película muy bien realizada, siguiendo las características propias de la corriente neorrealista, acompañada de un gran reparto y una ambientación muy bien llevada a cabo. Consta de una crítica satírica, con una historia refrescante y divertida, muy aconsejable de ver.

Patricia Andión Marchena

Maria Camila Beltrán Guzmán

Margarita Dayanne

1ºBach B.

Comentario: Qué bello es vivir

Ficha técnica:

Título original: It´s a wonderful life
Año: 1946
Duración: 130 min.
País: EEUU
Director: Frank Capra
Guión: Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank Capra
Música: Dimitri Tiomkin
Fotografía: Joseph Walker, Joseph Biroc
Reparto: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Frank Faylen, Ward Bond, Gloria Grahame, H.B. Warner, Frank Albertson, Todd Karns, Samuel S. Hinds, Mary Treen, Virginia Patton, Charles Williams, Argentina Brunetti
Productora: RKO presents a Liberty Films Inc. Production
Género: Drama, fantástico, cine familiar, navideño, comedia dramática.

Clarence Odbody (Henry Travers)

Personajes principales:

George Bailey(James Stewart)

Mr. Potter (Lionel Barrymore)

Mary Hatch (Donna Reed)

 

 

 

  

 

 

 

 

 

Argumento:

La película comienza presentándonos un pequeño George Bailey, que entre muchas buenas acciones, salvó a su hermano de morir en el hielo, perdiendo así uno de sus oídos, o evitó que por accidente el Sr. Gower para el que trabajaba envenenase accidentalmente a un niño.
Ya de mayor, cuando se dispone a ir a la universidad, pronto le avisan de la muerte de su padre, quien dirigía una compañía de préstamos para que gente sin recursos pueda construír sus hogares. George, desde entonces, preside la compañía, por lo que abandona su carrera y paga la de su hermano.
Surgirán más inconvenientes que él solucionará sacrificándose a sí mismo por el bien ajeno, como dar todo el dinero de su luna de miel a gente desesperada por el cierre de su compañía.
Cuando su tío, por haber perdido 8000 dólares, corre el riesgo de ir a la cárcel, decide hacer el último y mayor sacrificio, suicidarse, ya que su póliza de vida era de 15000 dólares.
Justo a tiempo aparece su ángel de la guarda de segunda clase y sin alas, Clarence, quien le muestra como sería el mundo si él no hubiese nacido, ya que George afirmaba que todo sería mejor sin él. Como era de esperar, al no haber realizado tales buenas acciones, el mundo era muy distinto, no había estado allí para salvar a nadie. Desesperado, suplica la vuelta al mundo que conocía, y se encuentra con la grata sorpresa de que todos a los que alguna vez ayudó, estaban allí para ayudarle. Gracias a esto, Clarence consiguió sus alas.

 Comentario:

Que bello es vivir es considerada una de las mejores películas de la historia del cine, o como muchos críticos la califican, una de las más auténticas. Incluso el propio Frank Capra, su director, y el actor protagonista, Jimmy Stewart, afirmaron que era su película favorita.

Es una película que mantiene unas leyes morales de la época, en la que la religión se ve representada en la conversación de Dios con el ángel Clarence en forma de constelaciones, y el propio Clarence una vez en la tierra intentando ayudar a George.
La película cuenta con efectos como el empleo de los flashbacks para explicar sucesos de la vida de George antes de llegar a la cuestión importante que trata la película.
El film también goza con la presencia de actores de primera categoría en su época y que hoy en día son grandes conocidos para los entendidos del cine.

Al ser considerada una película navideña, no se le da el valor que se merece, pero en el fondo, una vez vista, es una película que dista de ser aburrida. Es rápida, refrescante, ocurrente, sincera y divertida. Los personajes no son planos, cada uno tiene sus características propias que dan riqueza al filme.

Cabe destacar que a pesar de contar con cinco nominaciones a los Oscar (Entre ellas mejor película, mejor director y mejor actor...) no llegó a ganar ninguno.
"Qué bello es vivir" quedó en el olvido poco después y no alcanzó el éxito comercial. De hecho, llegó a perder 525.000 dólares el primer año, provocando que el propio Capra hablara de este tema en su autobiografía:
«No la hice para los críticos aburridos ni para los intelectuales pedantes. La hice para la gente sencilla como yo; gente que quizás había perdido a su marido, o a su padre, o a su hijo; gente que estaba a punto de perder la ilusión de soñar, y a la que había que decirle que ningún hombre es un fracasado»
Por suerte, años después volvió a ser emitida en televisión, ganando un  gran grupo popular de espectadores, hasta conseguir seguir siendo emitida hoy en día, ya que es una película que engloba muchas buenas características que hacen desear verla. Ya que es narrada como un cuento de navidad de forma aguda y simpática, apoyada por un sólido y ocurrente guión con un género familiar, cómico, fantástico y dramático.

La música también es destacable, pues acompaña las escenas de mayor tensión o exaltación de forma que la imagen se ve fusionada con el audio. Y las imágenes nocturnas (la mayoría de ellas) tienen un fuerte contraste con la luz, enfocando casi siempre en un primer plano a los actores, dándole fuerza al personaje y formando un halo alrededor de ellos.

En resumidas cuentas, es una gran película, con un guión y una imagen increíble y unos personajes perfectamente caracterizados.

Comentario: Ciudadano Kane

Ficha técnica:

Título original: Citizen Kane

Año: 1941

Duración: 119 min.

País: Estados Unidos

Director: Orson Welles

Guión: Orson Welles & Herman J. Mankiewicz

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: Gregg Toland

Reparto: Orson Welles Joseph Cotten Everett Sloane George Coulouris Dorothy Comingore Ray Collins Agnes Moorehead Paul Stewart Ruth Warrick Erskine Sanford William Alland Alan Ladd

Productora: RKO/ Mercury Theatre Productions

Género: Drama, Periodismo, Película de culto

Personajes principales:

Mr. Bernstein (Everett Sloane)

Charles Foster Kane (Orson Welles)

Susan Alexander (Dorothy Comingore)

Walter Parks Thatcher ( George Coulouris)

Jebediah Leland (Joseph Cotten)

Resumen:

Un grupo de periodistas observan un pequeño documental que han realizado sobre la vida de Charles Foster Kane,un famoso periodista que fue candidato a gobernador, donde se resaltan los puntos más destacables de su vida.

Al terminar el documental, el director, que no queda muy contento con el resultado, decide enviar a uno de los colaboradores, Thompson a varios lugares, para conocer más sobre la vida de Kane y averiguar que significaba la última palabra que pronunció el  periodista antes de morir, Rosebud.

En su investigación va visitando a personas importantes de la vida de Kane, como su segunda mujer Susan, su mejor amigo Leland o su primera mujer Emily. Va averiguando cosas, como que cuando cumplió 25 años prefirió dirigir un periódico en quiebra, el Inquirer, a heredar numerosos bienes, o que se separó de su primera mujer por un chantaje que le hizo su rival en las elecciones a gobernador, ya que este publicó que Kane le había sido infiel.

Finalmente decide visitar a su antiguo mayordomo en un último intento de clarificar que significaba Rosebud. Para el, esta palabra no tenía ningún significado ya que Kane solía decir palabras que no significaban nada cuando se enfadaba. Al final, el periodista comenta a sus compañeros que la vida de Kane es un rompecabezas y que Rosebud es una pieza más del mismo. En realidad, Rosebud es una palabra que habia escrita en el trineo de cuando era pequeño.

 Comentario:

Esta película, calificada como la mejor película de la historia del cine (aunque muchos se niegan a escoger, porque si declaran ésta como la mejor, estarían descartando todas las demás), tiene una trama compleja y lenta, pero demuestra el gran talento de Welles. 

A lo largo de todo el filme se pueden apreciar los numerosos flash-backs gracias a los cuales conocemos la vida casi al completo de Charles Foster Kane, desde su niñez a su muerte. Dicho elemento cinematográfico era una aportación totalmente nueva en el cine, pero no la única de esta película. También, como elemento innovador para la época cabe destacar la profundidad, por ejemplo después de conseguir que la plantilla del Chronicle trabaje para ellos, Leland y Bernstein hablan sobre ello, y al fondo se ve a Kane con las bailarinas. Luego, en los desayunos con su primera mujer, gracias a los cuales, en pocas escenas podemos ver como su relación empeora con el paso de los años. 

Respecto al protagonista, la película nos muestra una infancia dura, en la que se sobreentiende que su padre lo maltrataba, una juventud en la que era soñador y se esforzaba para conseguir lo que quería, y  progresivamente  fue cambiando a peor, a tener una actitud egocéntrica (que se puede ver cuando decide anteponer su vida política a su familia, o cuando obliga a su segunda mujer a seguir con la ópera aunque ella no quiera) Físicamente también se puede apreciar el cambio, puesto que, por ejemplo, cuando estaba casado con su segunda mujer, a ella se le ve joven, con apenas ligeros cambios físicos, y él estaba mucho más viejo, canoso y empeorado.

Es cierto que es innovadora para la época y una obra maestra, pero sin duda esto solo lo aprecian las personas con conocimientos ligeramente avanzados sobre cine, puesto que para personas acostumbradas a la velocidad y ritmo del cine actual, el primer adjetivo que viene a la mente después de verla, es aburrida. 

Por lo tanto, es recomendable para gente que conozca la situación de la época, en la que una película de este calibre era tan innovadora que era incluso arriesgada, pero para los que no supiesen apreciar tal calidad, es mejor que elija otra cosa.

Comentario: La fiera de mi niña

Ficha técnica:

Título original: Bringing Up Baby (La fiera de mi niña)

Año: 1938

Duración: 102 min.

País: Estados Unidos

Director: Howard Hawks

Guión: Dudley Nichols, Hagar Wilde

Música: Roy Webb

Fotografía: Russell Metty

Reparto: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, May Robson, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving

Productora: RKO Radio Pictures

Género: Comedia romántica

 

 

 Personajes principales:

David Huxley/ Señor Hueso (Cary Grant)

May Robson (tía de Susan)

Susan Vance (Katharine Hepburn)

 

 

 

 

 

 

 

Sinopsis:

    El paleontólogo David Huxley está a punto de llevar a cabo dos proyectos muy importantes en su vida, conseguir la clavícula intercostal de un brontosaurio, siendo ésta la última pieza del fósil, y casarse con su seria secretaria. También intenta conseguir que una vieja millonaria done un millón de dólares a su museo, así que va a jugar un partido de golf con el abogado de la señora, y, a mitad del partido, conoce a la sobrina de la millonaria, Susan Vance, una joven, bella, caprichosa y algo chiflada mujer que se enamora de él, y pretende de todas las formas posibles que David no se case. 

    A lo largo de la película en numerosas ocasiones ella descoloca la ordenada vida de David, donde se verán involucrados dos leopardos, un perro, el tan deseado hueso del brontosaurio, la cárcel y una bata de satén.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Comentario:

    Esta comedia romántica de los años 30 del siglo XX pertenece al género de Screwball americano, caracterizado frecuentemente por protagonistas excéntricos, numerosas equivocaciones y situaciones complicadas que les impiden las relaciones entre ellos. 
      Esta película en concreto destaca por su ritmo rápido, ya que suceden numerosos acontecimientos en un breve periodo de tiempo, la mujer adquiere el nuevo rol de dominante, ya que anteriormente los hombres tenían siempre ese papel, y, por supuesto, la química genial entre los protagonistas, gracias a la cual, el papel de Katharine no es cargante y odioso, que de otra forma si sería debido a su personalidad tan cambiante.
      Otra característica genial de esta película es que tiene numerosos elementos inverosímiles en la vida real, pero que al comenzar a verla se aceptan como si fuesen ciertos. Entre ellos destacan los leopardos, la ineptitud de los guardias en la prisión, la sucesión de desdichas ocurridas a David, etc.
     El vestuario de los protagonistas también es decisivo a lo largo de la historia, se puede ver la ropa sobria y oscura de la prometida de David al comienzo del filme, contrapuesta a la ropa alegre y alocada de Susan. También muestra el cambio de David, que comienza muy elegante y refinado y una vez se le rompe el esmoquin, se pone la bata vaporosa, pierde las gafas y empieza a vestir de una manera más despreocupada, su personalidad cambia de la misma manera.
     Cuando Susan se da cuenta de su amor hacia David, hace todo lo posible e imposible para que no se vaya, con sus consecuentes problemas, entre ellos, acabar en prisión y amenazados ante el peligro de un leopardo salvaje suelto. Cuando todo se soluciona, ni siquiera entonces acaban los problemas para el pobre de David, ya que ella se le declara en una escalera apoyada en el brontosaurio, haciendo que éste de derrumbe, y terminando así con uno de los proyectos más preciados del doctor. Realmente, una escena perfecta para acabar una película de ese nivel.
     Al argumento de la película no se le puede sacar una gran enseñanza, porque no tiene intención didáctica de ningún tipo, simplemente está hecha para pasar un rato realmente divertido, en el que es difícil parar de reír. Y, a pesar de que cuando se estrenó no tuvo una gran recepción, a lo largo de los años siguientes se fue reproduciendo de nuevo consiguiendo el triunfo que merece.
 
     

 

Comentario: Nosferatu

Ficha técnica:

 

Título original: Nosferatu eine Symphonie des Grauens

Año: 1922

Duración: 91 min.

País: Alemania 

Director: Friedrich Wilhelm Murnau

Guión: Henrik Galeen (Basado en el libro de Bram Stoker: Drácula)

Música: James Bernard, Hans Erdmann, Carlos U. Garza, Timothy Howard, Richard Marriott, Richard O'Meara, Hans Posegga, Peter Schirmann, Bernardo Uzeda, Bernd Wilden

Fotografía: Fritz Arno Wagner 

Reparto: Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz

Productora: Prana-Film GmbH

Género: Terror

Personajes principales:

Nosferatu: Max Schreck

Thomas Hutter: Gustav von Wangenheim 

Ellen Hutter: Greta Schroeder

Knock:  Alexander Granach

  

Argumento:

    Thomas Hutter vive con su mujer Ellen en Wismar, Alemania.

    Un día, recibe la noticia de que debe ir a los Cárpatos para venderle una mansión al Conde Orlock (Nosferatu). Se pone en camino, pero poco antes de llegar, para en una posada y cuando allí comenta a donde se dirige, todos intentan detenerlo. En la habitación donde va a pasar la noche encuentra un libro sobre vampiros, pero no le da la menor importancia, y se lo guarda. 

    Al día siguiente, el carruaje que lo iba a acompañar el resto del camino, para antes de tiempo y se niega a llevarlo a su destino, aunque poco tiene que esperar hasta que de repente aparece otro carro que lo lleva rápidamente. 

    Cuando llega, el conde lo obsequia con una cena durante la cual se hace un corte en el dedo. Nosferatu intenta chuparle el dedo, pero pronto tiene que retroceder por el crucifijo que Hutter tiene. 

    Por la mañana, decide escribirle una carta a Ellen, en la cual le dice sin mayor preocupación, que le picaron unos mosquitos en el cuello. 

    Por la noche, después de estar todo el día sin aparecer, Nosferatu firma el contrato y Hutter, ya en su habitación, comienza a plantearse si lo que dice su pequeño libro sobre vampiros es cierto o no. Intenta esconderse, pero el vampiro aparece con la intención de matarlo. Al mismo tiempo, Ellen, grita el nombre de Hutter en sueños y se desmaya. Nosferatu parece oírla, y eso hace que se detenga de su actual cometido, matar a Hutter.

     Hutter descubre lo que es al encontrarlo durmiendo en su ataúd, y huye, descubriendo que están trasladando los ataúdes que se había encontrado. Salta por la ventana, y resulta herido.

     El barco en el que van los ataúdes está infestado de ratas, y la gente que allí viaja muere misteriosamente hasta que no queda nadie vivo.

     Hutter, ya en el hospital, intenta escapar para llegar a su ciudad y avisar de lo que está ocurriendo, pero el vampiro llega antes, matando a los residentes.

     Al final consigue llegar y ver a su amada, a quien le dice que no lea su libro, pero ella, con una curiosidad imperiosa que la invadía, lo hace, y descubre que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse a Nosferatu antes de que cante el gallo.

     El vampiro la busca, y cuando comienza a cantar el gallo, ella se entrega. Empieza a entrar la luz del sol por la ventana, y este muere desintegrándose.

Cine expresionista alemán:

    El expresionismo es una corriente artística que tiene como fin buscar la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Es decir, el arte expresionista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa.

      Aparece en la pintura, en la literatura, etc. Pero, en cuanto al cine, sus características generales son:   

•       Surge como reflejo de la derrota alemana tras la Gran Guerra Mundial.
•       Temática muy diferente y variada, que va desde lo pasado medieval a lo más futuro.
•       Técnica caracterizada por empleo de ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a las pesadillas.
•       Su fin es que el espectador tenga la sensación de estar en ambientes grotescos, distorsionándolos con elementos claroscuros y violentos.
•       Sus figuras más destacadas son: Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, F.W. Murnau y Paul Wegener.          

     Además, en cuanto a características técnicas de las películas expresionistas, destacan:

1. Escenografía: Sobre todo destaca la utilización de decorados pintados, que suelen producir diferentes efectos en el espectador, entre ellos, profundidad o movimiento.
2. Iluminación: Daban un toque muy particular a la elaboración del claroscuro acentuando el contraste entre luces y sombras y destacando el exceso de relieve deformado y el contorno de un objeto.
3. Paisaje natural y estudio: Proporcionaba un factor dramático.
4. Personajes: Se caracterizan por aparentar ser misteriosos o siniestros. Pueden tener también un desdoblamiento de la personalidad.
5. Vestuario: Sus personajes se caracterizan por vestir capas y sombreros de copas. Además, sus manos son extremadamente salientes o crispadas. En Nosferatu se puede ver la mano en forma de garra en la escena de la imagen.
6. Interpretación: Movimientos abruptos y duros. Además, se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad. 
7. Sombras: Su utilización connota un presagio o un destino amenazante.
   

Entre las películas expresionistas alemanas destacan:

• El estudiante de Praga (1913), de Stellan Ryer y Paul Wegener
• El gabinete del doctor Caligari (1920), de Robert Wiene
• El Golem (1920), de Paul Wegener
• Nosferatu (1922), de F.W.Murnau  
• Metropolis (1927), de Fritz Lang

Comentario:

    Nosferatu es una película de cine mudo del año 1922, figura clave del expresionismo alemán y está inspirada en el libro Drácula de Bram Stoker. 

   La viuda de Bram Stocker se negó a ceder los derechos del libro, motivo por el cual no pudieron llamarla directamente Drácula y copiarla al pie de la letra. En realidad, cambiaron el nombre del vampiro e hicieron leves variaciones de la historia original, aunque todo el que conozca el libro, la reconocerá perfectamente. De todas formas, la mujer puso una demanda y tuvieron que eliminar la película, pero se conservaron algunas copias, ya que ya se había estrenado en otros lugares, y a esas alturas, era imposible deshacerse de todas y cada una de ellas. Ese también es el motivo por el que no tiene toda la calidad visual esperable, ya que se hicieron copias de las copias y fue perdiendo detalle.

     La actuación de Max Schreck, quien hace de Nosferatu, se hizo muy famosa, y corrieron muchos rumores alrededor de este actor, ya que su apellido en alemán significa “terror” y se decía que podía estar relacionado en la vida real con el vampirismo o rituales satánicos, además de que se comentó que apenas hubo que maquillarlo, ya que su aspecto físico ya de por sí era muy semejante al del vampiro.

     En esta película aparece uno de los primeros vampiros del cine, y tiene muchas características del vampiro del libro original, aunque, para poder desvincular la muerte del vampiro con una estaca de madera y así evitar acusaciones de plagio, tuvo que hacer que el vampiro de la película no pudiese salir a la luz del sol (cuando el del libro si podía). También aparecen más elementos comunes al libro y a posteriores vampiros de la pequeña y gran pantalla, tales como: que el hogar del vampiro sea un castillo lejano, las incisiones en el cuello, que duerma en un ataúd, su presencia escalofriante, el leitmotiv “la sangre es vida”… Y, en cambio, un punto diferente de este vampiro, es su asociación con las plagas, en la película bien se pudo ver que mientras el vampiro estuviese por allí, las ratas se propagaban como la peste, y cuando él murió, se acabó la plaga.

      En cuanto a efectos visuales y sonoros de esta película, hay varios destacables. La música siempre se adecúa al momento, se puede sentir tensa y misteriosa en los momentos en los que aparece Nosferatu, o más suave y agradable cuando está Ellen. En uno de los últimos momentos, cuando Ellen se entrega a Nosferatu, justo cuando canta el gallo, se puede apreciar que no se oye al animar cantar de verdad, sino que ponen efectos musicales muy estridentes y así, semejantes a lo que el ave haría. La música, indudablemente, se puede decir que es clave en el desarrollo de la película, porque te hace sentir acorde a lo que estás viendo.

       Luego, entre los numerosos efectos especiales (que para la época son innovadores y asombrosos) cabe destacar el cambio de color en algunas escenas según lo que sucedía, los efectos de velocidad del carro que llevó a Hutter hasta el castillo, el efecto de que las puertas se abren o cierran solas… Dos muy destacables fueron: en el cual aparece la sombra de la mano de Nosferatu agarrando el corazón de Ellen, y el momento en el que el vampiro muere con la luz del sol desvaneciéndose.

       Actualmente estamos muy acostumbrados a otro tipo de terror, más sangriento, más espontáneo, con más efectos especiales… Pero claro, fue hace casi 100 años, y no contaban con la infinidad de efectos visuales y sonoros con los que se cuentan hoy en día. De todas formas, es imposible no sentir escalofríos al ver a semejante monstruo, a pesar de que a lo largo de toda la película no salga más de 12 minutos, aunque siempre se le siente presente. Además, cuando se estrenó, la gente de la época no estaba acostumbrada al terror en tal medida, por lo que en su momento tuvo que producir verdadero pánico.

     Esta película tiene un aire inquietante de principio a fin muy propio del expresionismo alemán, y, puesto que la intención del director es producir terror e inquietud, sin duda alguna lo consiguió, ya sea en mayor o menor medida, todo depende de la facilidad o dificultad con la que se asuste el espectador.